Por: Carlos Javier Jarquín

Queridos amigos planetarios:

Les presento a la artista multidisciplinaria bielorrusa Alesia Issa, nacida en Minsk el 23 de enero de 1993 y residente actualmente en China. Su pasión por el arte es diversa e infinita y, a lo largo de su vida, ha sabido darle color a su existencia, que no es más que una expresión artística digna de admiración.

Tuvo el privilegio de crecer en un hogar donde el arte formaba parte de su cotidianidad. Desde sus primeros años surgieron sus inquietudes artísticas, iniciadas con el dibujo. La música corre en sus venas y forma parte de su vida artística: en su adolescencia fue primera soprano del Conjunto Folclórico Litwins. Entre la música y la pintura, eligió estudiar pintura en la Academia Estatal de Artes de Bielorrusia, donde obtuvo en 2018 el título de licenciada en Artes, con especialización en Pintura y Docencia de la Pintura. En 2019 obtuvo una maestría en Teoría del Arte, enfocada en las bellas artes, las artes decorativas y la arquitectura. Obras de su autoría se encuentran actualmente en colecciones privadas y públicas de Bielorrusia, Reino Unido, Singapur, Rusia, España, Suiza y Ecuador.

En su biografía se lee:

«Su arte abarca la pintura, la gráfica, la cerámica, la fotografía, el video, la performance y el tatuaje. Inspirada por los mitos, el folclore y las imágenes arquetípicas, explora la belleza espiritual de las personas, la naturaleza y el mundo cotidiano. Su obra une lo sagrado con lo cotidiano y se adentra en narrativas del subconsciente para crear un universo visual rico y etéreo. En 2024 y 2025 curó y participó en exposiciones internacionales que promueven el diálogo entre artistas de distintas culturas. Su trabajo aborda la identidad, la herencia cultural, la memoria y el vínculo sagrado entre el ser humano y la naturaleza. Ha participado en exposiciones colectivas y personales en Bielorrusia y el Reino Unido, entre ellas Living and Dreaming, presentada en Londres en 2018. Ese mismo año recibió una residencia de la Eurasian Creative Guild en Hemel Hempstead, Inglaterra, experiencia que abrió nuevas oportunidades y conexiones en su trayectoria artística».

Alesia es una artista polifacética y también trilingüe, ya que habla bielorruso, ruso e inglés. En esta charla conoceremos más de su universo artístico. Aprovecho para invitarlos a conocer la obra de esta gran artista bielorrusa que, a su corta edad, ha logrado un éxito notable.

¿A qué edad despertó en ti el amor por las artes visuales?

Mi amor por el arte visual comenzó cuando tenía tres años. Nací en una familia creativa, y el dibujo, la música y la poesía convivieron a mi lado durante toda mi infancia. Crear imágenes se convirtió en una parte natural de mi manera de mirar el mundo y de intentar dar forma a lo que imaginaba.

Desde niña también me fascinaban la mitología, el folclore, el simbolismo religioso y lo desconocido. Esas historias me ofrecían imágenes de cosas que podía sentir, pero no ver. Creo que ese deseo de hacer visible lo invisible sigue estando en el centro de mi obra.

Aproximadamente a los quince años, cuando tuve que elegir una profesión, elegí la pintura. Más tarde recibí una formación académica en pintura y completé una maestría en Teoría del Arte. Sin embargo, no creo que la educación, por sí sola, me haya convertido en artista. Me dio una base y herramientas para algo que había comenzado mucho antes.

¿Qué te ha inspirado a desarrollarte como artista interdisciplinaria, abarcando la pintura, la gráfica, el diseño gráfico, la cerámica, la fotografía, el video, la performance, la ilustración de libros, el tatuaje y también la música?

Para mí, trabajar entre distintas disciplinas surgió de manera natural. Nunca he percibido la pintura, la música, la poesía o el cine como mundos completamente separados. Son diferentes maneras de aproximarme a una imagen o a una experiencia que quiero comprender.

La pintura sigue siendo una base esencial de mi práctica, pero no puede expresar todo de la manera en que yo lo necesito. Una película permite que una imagen se despliegue en el tiempo. La música puede transportar una emoción a través de la voz y del sonido. Un mural transforma la relación entre una imagen, la arquitectura y las personas que habitan un espacio. Después de mudarme a China, comencé a trabajar con la cerámica y descubrí lo que ocurre cuando una imagen adquiere peso, volumen y textura.

Mi trabajo se fue expandiendo gradualmente a través de la ilustración, los murales, la docencia, el video y otras formas de expresión. La música regresó a mi vida después de haberla dejado de lado para concentrarme en la pintura. Cada una de estas experiencias abrió una posibilidad que otro medio no podía ofrecer de la misma manera.

Existen fundamentos compartidos, como el ritmo, la composición, la tensión y la pausa, pero cada medio nos permite vivirlos de forma distinta. A menudo siento que es la propia imagen la que elige lo que quiere convertirse. Mi tarea consiste en reconocer si necesita ser una pintura, una canción, una película o un objeto, y luego encontrar el lenguaje que le permita existir.

¿Cuáles son los temas principales que están más presentes en tu obra artística?

Regreso una y otra vez al subconsciente, a la mitología y a esos momentos en que una persona atraviesa una transformación interior. El amor, la muerte, el miedo y la elección aparecen en mi obra a través de figuras y relatos que han acompañado a la humanidad durante siglos.

Utilizo la palabra arquetipo con bastante libertad. No se limita a una definición estrictamente junguiana. Para mí, un arquetipo es una imagen que conecta una experiencia individual con algo colectivo, algo que puede resultar extrañamente familiar incluso cuando lo encontramos por primera vez. El folclore bielorruso me es especialmente cercano, pero también exploro la filosofía y las imágenes de la India, la mitología china y japonesa, y el simbolismo religioso de distintas tradiciones.

Una figura a la que suelo regresar es La Loba, la mujer que reúne huesos y les devuelve la vida. Veo en ella la posibilidad de recuperar algo esencial dentro de nosotras mismas. Adán, Eva, Lilith y las Tres Parcas también reaparecen en mi obra, porque sus historias siguen planteando preguntas sobre nuestras propias vidas.

Me atrae especialmente el instante justo antes de que algo cambie. En mi pintura Eclipse, Adán mira la manzana mientras un sol negro ya se ha alzado sobre él. Me interesa esa vacilación: ¿todavía tiene una elección, o algo ya se ha transformado dentro de él? A través de imágenes como esta, intento aproximarme a experiencias difíciles de explicar de manera directa. Una obra puede conservar una memoria emocional y permitir que otra persona la encuentre a su manera.

¿Qué representa para ti que muchas de tus pinturas formen parte de colecciones públicas y privadas de distintos países, entre ellos Bielorrusia, Reino Unido, Singapur, Rusia, España, Suiza y Ecuador?

Significa mucho para mí que una obra pueda salir de mi estudio y convertirse en parte de la vida de otra persona, a veces en un lugar que nunca he visitado. La pintura es un proceso muy íntimo. Paso tiempo con una imagen, con las preguntas y los sentimientos que le dieron origen, y luego esta comienza una existencia más allá de mí.

Cuando alguien decide vivir con una obra o incluirla en una colección, siento gratitud por esa confianza. Puede que vea algo muy distinto de lo que yo vi al crearla, y eso me parece valioso. No necesito que el espectador repita mi interpretación. Me interesa lo que sucede entre la imagen y su propia experiencia.

El hecho de que mis obras encuentren hogar en distintos países también se relaciona con la idea que está detrás de mi conferencia, Arquetipos en tránsito. Las imágenes viajan entre culturas y personas, adquiriendo nuevos significados en el camino. Mi obra lleva algo del lugar del que vengo, pero también puede hablarle a alguien cuya vida es muy diferente de la mía. Esa posibilidad tiene un profundo significado para mí.

¿De qué manera ha evolucionado tu trabajo artístico en los últimos cinco años?

En los últimos cinco años, me he vuelto más abierta a seguir una idea más allá del medio en el que apareció por primera vez. La pintura sigue siendo central en mi práctica, pero comprendo cada vez más mi trabajo como una conversación entre diferentes lenguajes artísticos.

Mi formación académica me dio una relación sólida con la composición y la forma. Con el tiempo, me he vuelto más atenta a la experiencia interior que hay detrás de una imagen: por qué regresa, qué la vuelve inquietante y qué me pide. Las figuras mitológicas se han convertido en una manera de explorar esas preguntas desde mi propia experiencia.

Trabajar con el cine me ayudó a pensar el arte como algo que puede sucederle a quien lo contempla. En mi cortometraje Shukra, creado para un festival interdisciplinario, exploré la transformación a través de la relación de una mujer con una deidad. El festival fue concebido como un laberinto, y me interesaba cómo atravesar el arte podía modificar el estado de conciencia de una persona.

Mi mudanza a China incorporó la cerámica a mi práctica. Seguí explorando seres mitológicos, incluidas figuras del folclore bielorruso, pero ahora a través de objetos físicos. Más recientemente, mi proyecto musical en solitario y el video Crying dieron forma a una experiencia profundamente personal del amor.

Estos desarrollos me han ayudado a comprender que mi práctica puede mantenerse coherente incluso cuando cambian sus materiales. Lo que une las obras es la pregunta que da origen a cada imagen.

Háblanos de tu pasión por la música. ¿Qué significó para ti haber sido primera soprano del Conjunto Folclórico Litwins?

La música ha estado conmigo desde la infancia. Mi tío fundó y dirige el Conjunto Folclórico Litwins, que desde finales de los años ochenta se dedica a reconstruir música tradicional. Crecí rodeada de ensayos, conciertos, talleres y giras. En casa también escuchábamos discos de vinilo, incluidos los de The Beatles y The Rolling Stones. La música formaba parte de mi vida familiar y, al mismo tiempo, era una puerta hacia un mundo mucho más amplio.

De adolescente tocaba la guitarra e incluso tuvimos una banda punk. Escribimos varias canciones, algunas con letras mías. Más tarde, cuando elegí la pintura como profesión, dejé la música de lado porque creía que, sin una formación musical profesional, no podía dedicarme a ella en serio. Con el tiempo, comprendí que esa idea me había limitado.

Cantar como primera soprano con Litwins fue una manera significativa de regresar a la música a través del folclore. Una canción arcaica puede alcanzar algo en nosotros que es más antiguo que nuestra comprensión consciente. A través de la voz, sentí una conexión con ese mismo mundo arquetípico que exploro en mi trabajo visual, pero de una forma muy inmediata y corporal.

Un recuerdo especialmente cercano para mí es haberme presentado con el conjunto en la residencia de China a la que luego regresé como artista individual. En aquella primera visita, representamos a Bielorrusia juntos a través de la música. Volver con mi propia práctica artística me permitió ver cómo esas partes de mi vida permanecen conectadas. Mi proyecto reciente, Crying, nace de un espacio musical más personal, pero continúa esa necesidad de dar forma a la emoción a través de la voz.

En un mundo cada vez más polarizado y tecnológico, ¿consideras que llegará un día en que la inteligencia artificial pueda reemplazar la creatividad del ser humano?

Creo que la inteligencia artificial puede convertirse en una herramienta poderosa para crear imágenes y explorar posibilidades. Pero, cuando pienso en la creatividad, también pienso en la experiencia que hace que una persona necesite crear en primer lugar.

Para mí, una obra comienza con algo vivido: una emoción que no puedo apartar, un miedo del que quiero acercarme o una imagen que sigue regresando sin explicación. Hacer arte es una forma de permanecer con esa experiencia hasta que encuentra una forma. El resultado importa, pero también importa el proceso interior que le dio existencia.

En mi conferencia, describo el arte como una especie de meditación centrada en un estado emocional intenso. Una obra puede conservar algo de ese estado. Por eso me resulta difícil imaginar que la creatividad humana pueda ser reemplazada por completo. Nuestra relación con el arte implica saber que otra persona ha intentado expresar algo desde su propia vida y que nosotros podemos reconocer en ello una parte de nosotros mismos.

La tecnología seguirá transformando nuestra manera de trabajar y lo que consideramos posible. Estoy abierta a explorar nuevas herramientas, del mismo modo que estoy abierta a nuevos medios. Pero quisiera que su uso permaneciera vinculado a una pregunta artística. Para mí, la pregunta importante es qué intentamos comprender a través de la obra y por qué sentimos la necesidad de llevarla al mundo.

Gracias, querida Alesia, por tu tiempo, tu espacio y tu atención. Ha sido un verdadero placer conocer más sobre tu polifacética trayectoria artística.

Desde esta plataforma, te deseamos muchos éxitos en cada uno de tus proyectos. Que tu pasión por el arte siga creciendo cada día y que tus obras continúen llegando a colecciones privadas y públicas. Es un honor darle difusión a tu maravilloso trabajo artístico.

Nota: La presente entrevista ha sido traducida del inglés al español mediante Perplexity AI.

Carlos Javier Jarquín es escritor nicaragüense radicado en Costa Rica.

Contacto: carlosjavierjarquin2690@yahoo.es